Latviešu tautas dejas

Diemžēl tā ir viena no tautas nacionālās kultūras sastāvdaļām, kas atspoguļo tās vēsturi, tradīcijas un nacionālo / reģionālo mentalitāti. Tajā pašā laikā tā piedāvā cilvēkiem plašu izpausmju klāstu – saņemt un nodot īpašas zināšanas, iegūt emocionālu gandarījumu, pavadīt brīvo laiku un pavadīt brīvo laiku, realizēt savu nacionālo / reģionālo identitāti un to demonstrēt pievilcīgā veidā. Šie aspekti nesen radīja sabiedrības interesi par tradicionālo mūziku un dejām. Turklāt interesi par savas zemes, reģiona, vietas (atrašanās vietas) kultūras tradīcijām aug ar vēlmi un vajadzību veidot un saglabāt pašcieņu pasaules masu kultūras viendabīgā vidē.

Pirmais profesionālais latviešu horeogrāfs Jēkabs Stumbris 20. gs. 1930. gados: “Pēdējā laikā interesi par latviešu dejām ir lieliski, labi lasāmi – gan dejotāji, gan mūziķi – joprojām ir maz.” Jāatzīst, ka 21. gadsimtā nekas nav daudz mainījies. vispirms. Neskatoties uz visu dejotāju skaitu dažādos pasākumos, profesionāļi ar profesionālām zināšanām šajā jomā ir ļoti īss.

Tāpat kā daudzās Eiropas valstīs, dokumentālā filma un dejas pētījumi sākas vēlāk. Vecākie latviešu deju piemēri ir fragmentāri un grūti interpretējami. Tie ir 17-18. gs ceļojumu apraksti un baznīcas vizīšu protokoli, kur dejas tiek raksturotas kā “nekaunīgs lekt”.

Pētījums un tautas deju kolekcija sākas 20. gadsimta sākumā. Pirmais latviešu tautas mūzikas komponists un skolotājs Andrejs Jurjans ir izlaidis 2 dziedāšanas un deju kolekcijas. Tie ir arī ļoti svarīgs avots šodien. Tomēr daudzi deju apraksti ir shematiski un praktiski nav atšifrējami.

1924. gadā tika izveidots latviešu folkloras veikals. Tajā tika ievākts ievērojams deju materiāls, bet repozitorijs bija efektīvāks ar dziesmām un tekstiem, veikalā nebija īpaša deju speciālista, un šobrīd tā nav.

1920. gados pēc nacionālās valsts izveidošanas tika izveidoti pirmie etnogrāfiskie ansambļi. Sabiedrības intereses tautas dejās pieaug. Deju pētījumos iesaistīti izglītoti deju skolotāji, deju komplekti praktiskai lietošanai 30.gados. Jāiekļauj Johanna Rinka un Jānis Oss, Jēkabs Stuburs un Elza Siliņa. E.Siliņa ir arī pirmā teorētiskā koncerta autore. Dejas materiālu kolekcija tajā laikā ir selektīva un tiek publicētas tikai tādas dejas, kuras autori uzskata par “pareiziem”. Turklāt daļa no publicētā materiāla, saskaņā ar tās pašreizējo praksi, ir ar autora uzlabojumiem bez atsauces uz avotiem.

70. gados deju skolotājs Harijs Suna ir nopietni iesaistīts tradicionālajās dejās. Viņš apkopo un izdod lielu Latvijas deju un dziedāšanas deju kolekciju no arhīva materiāliem, kā arī raksta vairākus teorētiskos darbus. Viņš arī piesaista interesi par tradicionālo deju vairākiem viņa skolēniem, kuri to turpina.

2000. gada sākumā folkloras ansambļu praktiskai izmantošanai tika publicēti vairāki deju apraksti – A.Šlisha Latgales dejas, E.Spicha Mārtiņa dejas grāmata, kā arī Rīgas Dance Club video instrukcijas. Deju mācīšanai pašlaik tiek izmantotas tautas mūzikas kolekcijas Jūtās un citās. iekšējie resursi.

Kopš 1990. gadiem materiālu daudzumu ir savākuši dažādu folkloras kolektīvu locekļi. Šie materiāli parasti ir videomateriāli, kas atvieglo deju interpretēšanu. Tomēr šie materiāli nav sistemātiski un ir privātkolekcijās – tos ir grūti iegūt izpētei un praktiskajai izmantošanai.

Joprojām ir ļoti maz pētnieciska darba, publicēts raksts vai grāmata par latviešu tautas deju. Latvijas folkloras veikalā ir tūkstošiem deju piezīmju, kas nav izpētītas.

 

Avots: http://muzikanti.lv/lv/projekti/grundtvig-partneribas/latviesu-deju-folklora/

Baleta vēsture

Baletu ir itāļu valoda, kas mazina balsošanu, kas nozīmē “dejot, lēkāt”. Tās vārdnīca balstās uz franču terminoloģiju.

Baleta attīstījās ar aristokrātiskas ietekmes formā kā formālu deju formu. Formāla deju tehnika tiek kombinēta ar kostīmiem, dekorācijām un mūziku kā citiem mākslas elementiem. Baleta integrēta deja, mūzika, scenogrāfija un dzeja, lai padarītu dramatisku sižetu. Sākumā tās roka bija faktiski operas sastāvdaļa.

Balets Francijā: 16.-17. Gadsimts

Mīļota izklaide Renesanses Francijā un Itālijā ietver dāmas un kungi no laukuma, kas ir riteņi, banketu zālē par gleznainiem pludiņiem, no kuriem viņi nolaisties, lai dejotu. Catherine de Médicis šo svētku iedvesmoja pēc tam, kad viņa apprecējās Francijas karaliskajā ģimenē.

1581. gadā būtisks solis uz priekšu ir Catherine tiesas tiesas festivālu direktors Baltazar de Beaujoyeulx. Par kāzu svinībām viņš producē Baletas Comique de la Reine, apvienojot deju (ko viņš apraksta kā tikai “ģeometriskus cilvēkus, kuri dejo kopā”) ar komēdijas naratīvās intereses. Tas ir pirmais dramatiskais balets.

Šī franču un itāļu deju dejas mīlestība turpinās nākamajā gadsimtā. Savojas tiesā, Turīnā, 17. gadsimta vidū ir svinīgu notikumu stipra amatieru baleta tradīcija.

Francijā Louis XIII, Marijas De Médicis dēls, mīl parādīt savus talantus šajā rindā – lai gan ziņo par laikmetīgu, viņš “nekad neko neveicis, bet smieklīgi rakstzīmes”. Karaliskās tipiskās lomas ir brīnumains mūziķis, holandiešu kapteinis, grotesks karavīrs, zemnieks un sieviete. Viņa dēls Louis XIV bauda līdzīgus priekus, taču viņa lomās ir mazliet vairāk klasisko gravītu – Bacchante, Titan, Muse un (iespējams, mīļākais) Apollo, kas ģērbies kā saule.

Tiesu balletos dejotāji ir paši courtiers, un liela daļa no prieka nāk no skatoties draugu prance par iespaidīgu kostīmu. Angļu diarists Džons Evelins redz Lūisa XIV deju Parīzē 1651. gadā; Viņš brīnījās ne tik daudz dejās, cik tik daudz apģērbtu aristokrātu.

Bet pats Ljūvens XIV patiešām ir ieinteresēts dejot, un 1661. gadā viņš nolemj, ka viņa kolēģi nav nulles. Viņš apvieno labākos Parīzes deju meistarus, lai veidotu Académie Royale de Danse, kur viņa draugu prasmes var tikt izceltas. Tas ir tik veiksmīgi, ka 1669. gadā viņš to seko līdzīgi kā Académie Royale de Musique.

Šīs divas institūcijas tiek apvienotas, lai izveidotu Parīzes operu (joprojām pastāv jau šodien). No 1672. gada tiek apmācīti profesionāli dejotāji. Institūcija atrisina to, kas ir acīmredzami baleta uzņēmums.

Pirmais režisors Pierre Beauchamp horeogrāfē daudzas baleta sekvences ar mūziku Lulli un citiem – un viņš izstrādā savu sistēmu, lai ierakstītu soļus. (Viņam bieži vien ir jāpieskaita piecām kāju klasiskajām pozīcijām, bet, iespējams, viņš ir tikai pirmais, kurš tos ierakstīja.)

Lully un Beauchamp iespaidīgais balets ir Le Triomphe de l’Amour, kurš pirmo reizi tika demonstrēts 1681. gadā ar Beauchamp deju Marsu, ko pavadīja tiesas dāmas un kungi. Četrus mēnešus vēlāk tas pats balets tiek atkal demonstrēts publiskajā teātrī ar ievērojamu jauninājumu – profesionāliem sieviešu dejotājiem.

Sieviešu ansambli vada Mlle de Lafontaine, pasaulē pirmā prima ballerina. Viņa zvaigznes daudzos citos balletos nākamajos divpadsmit gados (nopelnot nosaukumu reine de la danse, “dejas karaliene”) pirms pensionēšanos klosterī.

Lafontaine un viņas kolēģus apgrūtina smagās kleitas, kuras konvencija liek viņiem valkāties uz skatuves, bet vīrieši cieš no mazākiem ierobežojumiem (kad dejo heroiskās lomas, viņu parasts kostīms ir līdzīgs romiešu karavīra īsajai tunikītei, kas pusei nogurusi augšstilbā).

Virtuozs vīriešu dejas strauji kļūst par vienu no lieliskajām baleta atrakcijām. Pirmais, kas to demonstrē, ir Jean Balon, kurš ir ar Parīzes operu no 1691. gada līdz 1710. gadam. Slavens ar savu vieglumu un veiklību, viņa vārds, iespējams, tiek pieminēts terminā “balons”, kas joprojām tiek izmantots mūsdienās, kad var parādīties dejotājs lai pārtrauktu gaisā lidojuma laikā.

 

Balets visā Eiropā ir izplatīts tiesās Vācijā, Spānijā, Polijā un Portugālē. Polijā šo deju popularizēja karalis Vladislavs IV Vasa. Baleta dejotāji organizēja profesionālos baleta trupas un uzstājās aristokrātiem, ceļojot pa Eiropu.

 

Balets pēc 17.gs.

18. gadsimtā Francijā attīstījās balets. Dejotāju kustības tika veidotas, lai izteiktu stāstu stāstu un rakstzīmes. Tieši tādēļ balets kļuva par būtisku operas dramatizācijas daļu. Tas tika iekļauts operās kā interludes sauc divertissements. Liela loma šajā attīstībā bija franču dejotājs un baletmākslinieks Jean-Georges Noverre un komponists Christoph Gluck. Deju, mūziku un dekorācijas apvienoja, lai atbalstītu zemes gabalu. Izstrādātas trīs formālas tehnikas: sérieux, demi caractère un comique.

Venēcija bija arī deju centrs. Dejotāji devās ceļā uz kultūras apmaiņu. Ungārijā profesionālās baleta trupas tiek veiktas visā valstī.

19. gadsimtā sieviešu baleta dejotāji bija vairāk populāri. Ballerinas spēlēja vīrieša lomas stāstā. Viena kļuva par nozīmīgu baleta mācību centru. Baleta pārcēlās no taisnīgās aristokrātiskās auditorijas. Dažas slavenās balerīnas eksperimentēja ar jaunu oficiālu baleta elementu, kuru sauca par poēnu tehniku. Tādā veidā ballerina ieguva ideālu posmu. Boksa baleta apavi tika izstrādāti un palika kā formāla daļa no baleta koda.

Romantiskajā kustībā baleta horeogrāfija kļuva brīva, gaiša, gaisīga, un balerīnas parādījās kā trauslas būtnes, kuras varēja pacelt bez grūtībām, radot gaisā peldošu sajūtu.Vienā brīdī folklora kļuva par baleta deju sastāvdaļu, tāpēc veidojās tautas dejas.

Tika izveidoti nacionālie balletti, piemēram, Ukrainas Nacionālā opera, Ungārijas Nacionālais balets, Prāgas Nacionālais teātra balets un Vīnes Valsts balets.

Krievu balets tiek uzskatīts par tradicionālu baletu, un tam bija liela nozīme baleta vēsturē. Koloniālisms ietekmēja stāstus ar austrumu, Āzijas un Āfrikas elementiem. Tā arī attīstījās Dānijā.

Baleta formālais elements kļuva par stīvu īsu svārki, kas valkāta kā kostīms, saukts par tatu. Tutu svārki tiek atbalstīti ar krinolīnu, lai nodrošinātu akrobātisko legwork.

20. gs. Krievijas balets tika atgriezts Parīzē pēc trimdas pēc revolūcijas. Krievijā baleta skatuves bija stagnācija. Ideoloģiskais spiediens radīja sociālistiskus gabalus. Tomēr bija satriecošs virtuozitāte, tehniskā pilnība un izturība.

Fokina devās uz ASV. Viņš nebija apmierināts ar tikai sportisko displeju un baleta gaišumu. Viņš pieprasīja baleriņu izpausmi un vēstures vēstures izpēti, kā arī autentisku laikmeta kostīmu izmantošanu.

Amerikā balets tika pielāgots jauniem medijiem, piemēram, televīzijai un filmām. Tēma bija diezgan dramatizēta nekā gabals. Bija vairāk brīvprātības nekā tradicionālā stāstījuma. Tradicionālo tītu nomainīja neobjektīva sagriešana, lai dejotājam nodrošinātu lielāku pārvietošanās brīvību.

Neoklasiskā balets veidoja stilu starp klasisko un mūsdienu baletu. Balets atgriezās vienkāršākā stilā, salīdzinot ar pārāk dramatizētu stilu. Lielie komplekti un priekšnesumi tika noņemti, ļaujot dejotājiem kļūt par galveno māksliniecisko vidi.

Mūsdienu baleta jauktie klasiskā baleta elementi un mūsdienu dejas. Tas nav tradicionāli. Tas izmanto pointe tehniku, kā arī grīdas darbu un kāju pagriezienu. Liela ietekme uz šo žanru bija Mikhail Baryshnikov, amerikāņu baleta teātra režisors 1980. gadā.

Dejas vēsture

Maz ticams, ka jebkura cilvēka sabiedrība (jebkurā gadījumā līdz pat puritānisma izgudrojumam) ir noliegusi sevi kā aizrautību un deju prieks. Tāpat kā alas glezniecība, pirmais deju mērķis ir iespējams rituāls – mīlošs dabas garu vai pievieno rituāla pāreju. Bet zaudēt sevi ritmiskajā kustībā ar citiem cilvēkiem ir vienkārša intoksikācijas forma. Prieks nevar būt tālu prom.

Ritms, kas dejošanā ir neaizstājams, ir arī mūzikas pamatelements. Ir dabiski pārspēt deju ritmu ar nūjām. Tas ir dabiski pavadīt deju kustību ar ritmisko dziedāšanu. Deja un mūzika sākas kā partneri rituāla pasniegšanā.

 

Deja  kā rituāls

Lielākajā daļā seno civilizāciju dejas līdz dievam ir nozīmīgs tempļa rituāla elements. Ēģiptē priesteri un priesteri, ko papildina arfas un caurules, veic lieliskas kustības, kas piemin svarīgus notikumus dievu stāstā vai imitē kosmiskos modeļus, piemēram, nakts un dienas ritmu.

Ēģiptes bērēs sievietes dejo, lai izteiktu skumju skumjas.

Svētie notikumi grieķu svētnīcās, piemēram, olimpiskajās spēlēs no 8. gadsimta pirms mūsu ēras, tiek atklāti ar deju svētnīcas jaunavām. Sākotnēji koris ir tikai tāda deja, kas tiek veikta aprindās par godu dievam. 6. gadsimtā tas kļūst par galveno grieķu teātra centru.

Indijā formālas Hindu tempļu priesteru roku kustības ir aprakstītas dokumentos jau kopš 1. gadsimta AD. Katram precīzam žestam ir maza nozīme. To pamatā esošā klasiskā deja, kas pazīstama kā Bharata Nhatyam, joprojām tiek īstenota augsti kvalificētu praktiķi šodien.

 

Deja kā ekstāze

Jebkura pietiekami neaizsargāta sabiedrība zina, ka izmisuma dejas, ar noskaņojumu, ko pastiprina pūš ritms un plūst alkohols, noteiks impulsu sacīkstes un radīs satrauktu uzmundrinājumu.

Tas ir parādīts senās Grieķijas dionizozes dejās. Ciema iedzīvotāji pēc vīnogu ievākšanas svin svētkus ar piedzērušo orģiju godā Dionisam, vīna dievam (kura romiešu vārds ir Bakss). Viņu izspiešana padara mīļāko ainu par grieķu vāzi; un tādas dejotājas sievietes, kuru neprāts pat slepkavo viņus par slepkavību, tiek iemūžinātas Euripides traģēdijā Bacchae. Īsi par šo neveiksmīgo ekstremitāti, visas sociālās dejas apsola tādu pašu vēlamo izpausmes un satraukuma izjūtu.

 

Dejot kā izklaidi, dejot kā displeju

Ēģiptes gleznas, sākot jau aptuveni 1400. gadā pirms Kristus, attēlo vēl vienu mūžīgu deju aicinājumu. Nabadzīgi apģērbtas meitenes kopā ar sēdošiem mūziķiem, vilinoši ieskauj kapenes sienām. Viņi priecēs vīrieša iemītnieku viņa dzīvesvietā nākamajā pasaulē. Bet deju meitenes ir arī par šo pasauli. No princis banketu uz back-street sloksnes klubs, tiem nav nepieciešams paskaidrojums.

Izklaide, un cieši saistītā tēma displejā, ir pamatā stāsts par valsts deju. Šādos brīnumos Eiropas tiesās galu galā beidzas balets.